坂本龍一が残したものを、いかに未来に繋げるか。京都芸術大学の実践的スタジオ構想

坂本龍一の遺産を「保存」ではなく「実験」へ繋ぐ、『Sakamoto Ryuichi Lab』

地下に降り、会場に入ると、坂本龍一が世界各地で環境音を採集する映像がモニターに映されていた。巨大な氷塊のそばで鈴のようなものを鳴らす姿。あるいは森の中で、打ち捨てられたバケツや折れた木切れを叩く姿。雨の降る屋内で、ガラス瓶を突いて鳴らす姿。

坂本龍一は、鍵盤に向かうだけの音楽家ではなかった。美術、哲学、文学、テクノロジー、環境、そして社会問題。そのすべてを地続きのものとして捉え実践し続けた「行動する表現者」。彼の足跡を辿ることは、私たち自身が日々「自分の生きる世界とどう向き合っているか」を突きつけられる体験でもある。

今回、京都芸術大学（KUA）が開学50周年記念プロジェクトの一環として発表した『Sakamoto Ryuichi Lab at KUA』の構想は、単なる偉人のアーカイブ施設作りではない。彼が遺した「実践」そのものを保存し、次世代へ繋ぐための実験の始まりである。

同プロジェクトが単なる大学側の記念事業ではなく、坂本自身が望み、「坂本龍一エステート」（※）のもとに推進されているという事実は、本稿の前提として書き留めておきたい。

※坂本龍一エステート：坂本龍一が遺した作品、資料、機材、楽器などの知的・物質的遺産を管理し、次世代へ継承する取り組みを行う団体。

「坂本龍一と京都、そして京都芸術大学との関わりは、長い時間をかけて育まれてきました。

坂本は京都を愛し、幾度となくこの地を訪れました。1999年に発表したオペラ《LIFE》の制作では、1980年代からの友人である浅田彰さん、ダムタイプの高谷史郎さんらの協力を得て、「京都会議」と称する集まりを重ね、作品をつくっていきました。その後も寺院を舞台とした実験的なライブなど、京都にゆかりのある芸術家や研究者との協働をつづけ、その関心と活動は音楽を超えて多様な領域へと広がりました。2012年頃には京都・九条山に生活と創作の拠点を構えようと、建築家の青木淳さんに設計を依頼して具体化を進めていました。この計画は実現しませんでしたが、京都とのつながりはその後も途切れることなく、亡くなるまでさまざまな分野の人々との交流が続きました。

京都芸術大学との交流も長く、京都芸術劇場春秋座では、2005年に高谷史郎さんとライブを上演し、2010年には『スコラ坂本龍一音楽の学校』夏期特別講座を公開収録しています。

また2010年に始まった「マラルメ・プロジェクト」では、当時、京都芸術大学特任教授・舞台芸術研究センター所長であった渡邊守章さんと、同大学大学院長の浅田彰さんが企画を手がけ、渡邊さんが構成・演出を、高谷史郎さんが映像・美術を、坂本が音楽・音響を担当。足かけ3年におよぶ共創が行われました。

かねてより、京都芸術大学では音楽学科を設ける構想があり、当時の徳山詳直理事長から坂本へ教授就任の申し出もありました。これも実現には至りませんでしたが、こうした話が交わされていたこともまた、坂本と同大学との長い関わりを物語っています。

坂本龍一の没後、私たちは、彼が遺した作品や資料、機材、楽器などの知的・物質的遺産を、広く共有し、未来の創造へとつなげていくための取り組みを進めています。その一つが、すでに発表されている株式会社デジタルガレージとのスタジオプロジェクトです。それと並行し、長く関係を育んできた京都芸術大学に、坂本が遺した機材や楽器を、次の世代の学びや創造のために生かすことができないかと相談しました。この対話から、「Sakamoto Ryuichi Lab at KUA」プロジェクトは始まりました。

坂本は音楽だけの人ではありませんでした。美術、哲学、文学、科学、テクノロジー、環境、社会。さまざまなものに好奇心を持ち、学び、考え、実験し、実践し続けた人でした。その作品や資料、思想、問いを保存するだけでなく、教育と研究の現場で次の世代が読み直し、新たな表現へとつなげていくことが大切だと考えています。

「Sakamoto Ryuichi Lab at KUA」が、学生、研究者、アーティストたちが自由に学び、考え、実験し、そこから新しい問いや表現が生まれていく場となることを強く願っています。」

――坂本龍一エステート

仮想空間で坂本龍一の演奏を追体験させる『KAGAMI+』

プロジェクト発表に先立ち、同日、希望者向けに坂本龍一のMR（複合現実）ライブ体験『KAGAMI+』の機会が設けられた。特殊なレンズを装着し、仮想空間の中で故人の演奏をライブとして追体験するという最先端の試みである。

映像表現という観点から率直に述べれば、技術が未だ過渡期にあるためか、レンズ内の映像はまだ荒削りな画質であり、発展の余地が見受けられる。また、現代的な建築空間における最先端の試みである一方で、曲調の起伏に合わせて花びらが舞う演出や、夕陽に照らされる都市を切り取った風景写真の使い方には、ある種のノスタルジーや、やや保守的なニュアンスも感じられた。

しかし、そうした技術的なノイズや表層的な「昔っぽさ」ともいえる演出は、坂本龍一という生身の人間が音楽を操り、何かを伝えようとする圧倒的な熱量の前に、あっさりと凌駕されてしまった。同時に、彼がいかに自らの生きた「今」と偽りなく向き合い、この作品を創り上げたのかが、胸に迫ってきたのだ。

彼が弾くシンコペーション（※）や、スタッカート（※）は、楽曲の単なる表面的な装飾ではなく、一つひとつが明確な意味を持った「言語」のように響く。そこにあるのは、人が普遍的に持ち合わせているはずの、他者への愛情のようだった。

※シンコペーション：強拍と弱拍の位置を意図的にずらし、リズムに変化や緊張感を与える音楽手法
※スタッカート：音を本来の長さよりも短く切って、軽やかに音のつながりや表情をつくる音楽手法

最終的に心に残ったのは、坂本龍一のただひたすらに鍵盤と向き合う、プレイヤーとしての真摯な姿。それは音楽やアートに限った話ではない。仕事でも、日常の些細なことでも構わない。彼のように、表現に対してどこまでも真摯な人間でありたい。そんな畏敬の念すら抱かせると同時に、自らの背筋が自然と伸びるような感覚を覚えた。

坂本龍一の遺産を「実践」する拠点、瓜生山荘

発表記者会見で語られたのは、『Sakamoto Ryuichi Lab at KUA』がいかにして京都芸術大学の理念と結びついているか、ということ。

学長・佐藤卓は、デザインの本質を「人と社会、社会と自然、人と自然など、様々なものを繋ぐこと」と定義し、「世界中の創造力を解放する」という力強いメッセージと共に掲げた。京都芸術大学などを運営する学校法人瓜生山学園は、これまで系列校の間で統一感が希薄だったが、「KUA」というシンボルによって新たなアイデンティティーが生まれる。また、ロゴにおける「U」の字は、様々な発想を受け止める「器」を意味しているという。

続いて理事長・徳山豊は、同大学が掲げる「藝術立国（藝術を通した世界平和）」という理念が、「愛」という言葉に集約され、それが坂本龍一の哲学と完全に共鳴していると指摘。

これは単なる50周年の記念ではなく、次の50年を見据えたプロジェクトであるということ、大学という「教育と実践の場」だからこそ、学生が坂本の遺産に触れることで、我々の想像を軽々と超えるバグや突然変異が生まれるのではないか——そんな期待が込められているのだ。

具体的な構想を語ったプロデューサー・保持壮太郎によれば、プロジェクトの舞台となる「瓜生山荘」（うりゅうさんそう）は、京都芸術大学のキャンパスに隣接し、学園の哲学が語り継がれてきた特別な場所だという。

作品、楽器、資料、さらには制作途中のシーケンスデータといったものをどう学生に繋ぐかが現在検討されているが、重要なのはここを「音楽」というジャンルに幽閉しないこと。映像や多様な社会的分野へ接続し、瓜生山荘という物理的な場所に閉じず、世界中のアーティストと繋がりながら拡張していく。

そして、施設の完成を待たずして、すでにワークショップや制作の場として使い始める。このスピード感も、このLabが単なる「静的な博物館」ではないということを証明しているだろう。

「真のクリエイティビティー」とは、いかにあるべきか

続く、青木淳、品川雅俊、原摩利彦によるトークセッションでは、このLabがいかなる「場」になるべきかという、建築と音楽を横断する議論がなされた。

建築家の青木淳は、かつて坂本が京都の「九条山」に構想しながらも実現しなかった創作拠点の計画を引き合いに出し、当時描いていた「開かれた制作環境」のビジョンが、時を経てこの「瓜生山」の地で新たな形で受け継がれていくことへの期待を語った。

目指すのは、音響工学的に完璧に計算された無菌室のような録音スタジオではなく、時間や気配のような側面に重きを置いた「制作環境」であるという。

必ずしも数寄屋造りという枠に収まらず、住宅のようでありながら公的でもある。くつろげるだけでなく、どこかピンと張り詰めた緊張感。建築家の品川雅俊は、瓜生山荘の図面を読み解き、それが過去の巨匠たちによって何度もアップデートされてきた「動的な建築」であることを指摘した。

恐れずに作り続け、変わり続けるためのリノベーション。青木の「建築とは建て終わってからがスタートであり、そこから生き始める」という言葉が、その思想を補強する。

一方、音楽家の原摩利彦は、自身の原体験（大阪・フェスティバルホールでの坂本龍一ピアノトリオ）を振り返りつつ、「アーティストが我を忘れて音楽を生み出す瞬間」を学生に見せたいと語った。坂本龍一は、作品のみならず「作品を作る過程」すらも作品に昇華してきた人物であるからこそ、その過程に触れることは、単に作曲のノウハウを学ぶことではないのだという。

特に印象的だったのは、「坂本龍一の優しさと厳しさの根底には常に愛情があり、その愛情は音楽にとどまらず、世界の情勢などすべての分野に注がれていた。音楽以外の深刻な社会分野についても考えることこそが、真のクリエイティビティーである」という指摘。これはまさに、先述の「藝術立国」の理念と合致する。

想像力とは、人を想う力である。他者のことを真に想像できたとき、争いはなくなり平和が訪れる。

これは決して大きすぎるテーマではなく、私たちが日々の生活のなかで身近な誰かを想像する力と地続きになっている。瓜生山荘は、そうした実験と思索を繰り返すための、世界に向けて開かれた基地となるのだろう。

それはやはり青木が語った「坂本さんは色んなことに驚く人だった。何かを発見して驚くためには、開かれた場所が必要だ」という言葉に、すべてが集約されていた。

坂本龍一の哲学を純度の高い音で証明した、スペシャルライブ

トークセッション後に行われた、原摩利彦、蓮沼執太、東北ユースオーケストラによるスペシャルライブは、この日語られた哲学を見事に証明するものだった。

原摩利彦と東北ユースオーケストラによる演奏で特筆すべきは、ピアニッシモ（極めて小さな音）の圧倒的な美しさだ。小さな音を、コントロールを失わずに美しく鳴らすこと。それは音楽家としての基礎体力の高さと、音に対する相当な執着を必要とする。

さらに東北ユースオーケストラの面々は、音の切り方、つまり音価（音の長さ）への配慮が凄まじい。それは『KAGAMI+』で観た、曲終わりの余韻をどこまでも大切にする坂本龍一の所作への、最高のリスペクトであった。

続く原摩利彦と蓮沼執太のセッションは、一般的な「楽器の演奏」とは異なり、見慣れないシンセサイザーのつまみを操作して音を生成して操る姿から、一見すると「難解な電子音楽」のように映るかもしれない。

しかし実際の音に耳を傾ければ、不必要な音を一切排し、必要な位置に必要な音だけを置くという、坂本龍一が持ち合わせていた「音の必然性に対する厳しい姿勢」に貫かれていることがわかる。視覚的な難解さとは裏腹に、そこには誰もが明確な意図を理解できるような、極めてロジカルな音の連なりがあったのだ。

最後に、全員での演奏。ステージ上に「演技」をしている人間は一人もいない。全員が真摯な表情で、ただひたすらに音楽に対するリスペクトを捧げている。そこには、坂本龍一が大事にしていた「人への愛情」が、湿っぽい感傷を伴わずに、純度の高い音の連なりとして立ち現れていた。

私たちは遺された「真摯さ」をどう引き受けられるか

ここで、入口のモニターで流れていた映像を思い出す。クリエイティブの理念が、あの映像には詰まっていた。一見すると歪で不規則な環境音の録音は、カオスを生み出そうとしているのではない。時間が流れる中で自然発生する「驚き」や「衝撃」を、いかにして音楽に落とし込むかという実験の準備だ。

また、坂本龍一が向き合っていた「作品を作る過程」に潜む歪さやある種のカオスは、人が「生きる」ということの営みそのものと深く重なり合っていたのではないだろうか。自然発生する人間の複雑な感情、理不尽な政治、予測不能な天気。すべてを音で表現しようとするその試みは、「真摯」を通り越して、もはや狂気にも似た執念のようにも思えた。

音楽という形で作品を生み出す表現者たちが、今後このLabを通じて、彼のような優しさや真摯さを獲得していったとしたら……それは我々受け手にとっても夢のような未来だ。

しかし、それを受け取る私たち自身もまた、ただの観客でいることはできない。「作品を作る過程＝人生」であるならば、私たちの日常もまたひとつのプロセス。

坂本龍一が遺した「真摯さ」を、あなたは自分の人生にどう引き受けるだろうか。『Sakamoto Ryuichi Lab at KUA』の構想は、私たち一人ひとりへの問いかけでもあるのだ。