テクノロジーが私たちの生活を大きく変えつつある現代、魂や命のことをテーマとする歌がふたたびリアリティーを持ちつつある。「魂」といっても精神世界の話ではない。リアルとフェイクの境界線がますます曖昧になる今日においても、死とは誰もが経験する絶対的な現実のひとつであり、魂や命もスピリチュアルな領域だけにとどまるテーマではない。
2007年に結成されたアラゲホンジは、日本各地の民俗芸能や祭りのリズム、東北民謡をモチーフのひとつとしながら、独自のフォークロアポップを奏でてきたバンドだ。彼らの音楽スタイルは、民謡クルセイダーズや中西レモン、すずめのティアーズらが象徴する日本の「トラディショナル」に対する近年の潮流と通じるものとも言えるだろう。他方、アラゲホンジが彼らと大きく異なるのは、既存の民謡曲を新しい解釈で演奏するのではなく、民謡調を取り入れたオリジナル曲を創作してきたという点だ。
実に10年ぶりにリリースされた新作『さよなら花の春』は、この世を去ってしまった者に対し、静かに手を合わせるような感覚が横たわっている。命や魂をテーマのひとつとする収録曲には、リーダーである齋藤真文のパーソナルな記憶や体験も色濃く反映されているほか、心浮き立つような祝祭のムードも充満している。
グローバリズムの時代において「日本独自のポップミュージック」を作ることは可能なのだろうか。現代の日本でどのように命や魂を歌うことができるのだろうか。今日、あらためて重要性を増しているこれらをテーマに、リーダーの齋藤にじっくり話を伺った。
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Corneliusのようにはなれない——「身体に合っている」と感じた東北民謡
―アラゲホンジは結成以来、祭りのリズムや民俗芸能のエッセンスを取り入れてきましたよね。齋藤さんはいつごろから日本の伝承文化に関心を持ち始めたのでしょうか？
齋藤：高校ぐらいまではLed Zeppelinみたいなロックを聴いていたんですけど、大学入学で1997年に秋田から上京しまして、フリーソウルや渋谷系をきっかけにソウルやブラジル音楽のレコードを聴き始めたんです。当時は大学の音楽サークルでバンドをやっていて、徐々にオリジナルの曲を作るようになるんですね。でも、いざ作ってみようとすると、全然うまくいかないんです。
―イメージ通りのものにならない？
齋藤：そうですね。当時はそれこそCorneliusみたいなものもやろうとしてたんですけど、声が全然違うんですよね。何をやっても気持ち悪い感じにしかならなくて。
だったら、ジルベルト・ジルやユッスー・ンドゥールみたいに自分たちの伝統的なリズムや音楽的要素を使って現代の音楽をやるしかないんじゃないかと思うようになったんですよ。Corneliusみたいなことはできないけれど、ルーツを素直に出したものなら、自分にも何かできるんじゃないかと。それが大学3年のころでした。
2007年、秋田県湯沢市出身のソングライター 齋藤真文を中心に結成。東北地方をはじめ日本各地の民謡や伝統リズムと、汎ブラック・ミュージックの融合を柱に置き、「秋田音頭」「相馬盆唄」「リンゴ追分」などのカバー曲にも独自のアップデートを加え、唯一無二の世界観を放つ。
―出身は秋田の湯沢市ですよね。湯沢には役内番楽など山伏神楽の伝統がありますが、そうした芸能にも幼少時代から触れていたのでしょうか。
齋藤：僕が育ったのは湯沢市の市街地で、そのあたりには伝わってる芸能もあまりないんですよね。羽後町の西馬音内盆踊りのようなお囃子はあるんですけど、そういうものに触れていたわけでもなくて。
―そんな齋藤さんにとっての「ルーツ」とは何だったのでしょうか。
齋藤：音楽的なルーツということでいえば、小さなころから習っていたクラシックピアノということになります。ただ、それが自分の全部を表すものとは思えなかったんですよ。もっと自分に連なる何世代をも貫通するような「ルーツ」が自分自身の中にもあるはずだと信じて、手探りで始めました。
それでためしに図書館で東北民謡のCDを借りてきて“おこさ節”や“外山節”を歌ってみたんです。そうしたらスティーヴィー・ワンダーを一生懸命練習しても全然うまく歌えないのに、身体が内側から燃えるような感覚があったんです。服や食べ物と同じで、これは身体に合ってるんだなと。
―不思議な感覚ですね。齋藤さんは子供のころから“おこさ節”や“外山節”に触れていたわけではないんですもんね。
齋藤：そうなんですよ。たぶん体と言葉の使い方が自然に馴染んだんだと思います。そこで暮らしている人たち共通の身体的感覚ってあるじゃないですか。食べ物や気候、風土によって形作られるものというか。言葉や文化もそのひとつだし、歌もその延長線上にあると思うんですよね。だから初めて聴いた“おこさ節”や“外山節”もしっくりきたんだと思います。
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単なる記号の組み合わせではない、血肉化されたミクスチャー
―サカナクションの山口一郎さんが自分のYouTubeチャンネルでこんなことを言っていたんですよ。山口さんのもとには新人ミュージシャンの音源がよく送られてくるそうなんですが、影響源であるリファレンスが見えすぎるものが多い、と。そのうえでこう話していたんですね。
「近いリファレンスがあってもいいんだけど、リファレンスと音楽的ルーツのミクスチャーじゃないと。そのリファレンスに対して自分がどういう解釈をもつか。混ざり合わないものを混ぜ合わせて、自分でもなんだかよくわからないものを作って、それを好きにならないといけない」
―アラゲホンジが結成当初やっていたのはまさにこういうものですよね。リファレンスはあるんだけど、あくまでもリファレンスと齋藤さんの音楽的ルーツのミクスチャーという。
齋藤：まさにそうだと思います。最初から明らかに混ざらなくて、吐きそうになるぐらい混ざらないわけですよ。でも、それは最初からわかっていたことだから。
ただ、混ぜることが目的だったわけではなくて、そこには「自分にしかできないことをやりたい」という、中二病からくる強い意志があったんですよね。それはいまだにあるし、その自己顕示欲に生かされてきたような感覚はあります。
―和風テイストのそれっぽいものを記号的に結びつけただけのものってすごく多いじゃないですか。尺八や和太鼓を入れておけばいいのか？ っていう安易なものとか。
齋藤：そういうものはいつの時代もありますよね。
―だからこそ、藤井風の“まつり”は素晴らしいと思うんですよ。RHYMESTERの宇多丸さんはあの曲について「Gファンクをドメスティックなものに読み替えてみせた」と指摘していましたが、単なる記号のかけ合わせではなく、あくまでも自分だけのポップミュージックを作ることに藤井さんのモチベーションがあったと思うんですね。
齋藤：“まつり”って記号を組み合わせただけの曲ではないですもんね。曲調やモチーフはたぶん藤井風さんの内側から出てきてるはずなんですよ。自分の身から発せられるものとして、借り物じゃないものとして出てきてるんじゃないかと。だから滑らかで、汚れなく流れていくんですよね。そこは大きな違いだと思う。
―齋藤さんもそういう感覚なんでしょうか？ 記号を組み合わせているのではなく、あくまでも自分の内側から出てきていると。
齋藤：もちろん最初は意図的に組み合わせていくんですよ。そのうちにだんだん形が見えてきて、自分の気持ちとか心、身体に合わせて使えるようになっていく。血肉化されていくということなんでしょうね。
たとえば、アラゲホンジではアフロビートと七頭舞（岩手県の一部の地域に伝わる神楽舞の一種）を組み合わせた曲をやってますけど、あれも最初は記号と記号をくっつけるという作業から始まって、毎日リズムのことを考え続けているうちに、頭の中で一体になるんですよね。そこからがようやく始まりなんです。そういう自発的な動きがないとなかなか曲になっていかないんですね。
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子育て、コロナ禍を経てバンドを立て直したブラスの響き
―新作『さよなら花の春』は前作『はなつおと』（2016年）以来、10年ぶりの新作ですよね。これだけの期間空いた理由とは何だったのでしょうか。
齋藤：一番大きな変化は子供ができたということです。自分は時間の使い方がそんなにうまくないので、仕事と音楽に子育てが加わったらキャパオーバーになってしまって。あと、コロナの3年間、ライブもまったくできなかったですし。その時期、バンド内でもいろいろあって、煮詰まっていたところはありましたね。閉塞感みたいなものはあったかもしれない。
―その間、民謡をモチーフのひとつとする民謡クルセイダーズや中西レモンさん、すずめのティアーズが一気に注目を集めましたよね。齋藤さんはみなさんとも交流がありますが、彼らの活躍はどう見ていましたか。
齋藤：民クルに対して悔しい気持ちがないというと嘘になりますけど、（民謡クルセイダーズのボーカルである）フレディ（塚本）さんの歌を初めて聴いたときは「やっぱりこれだな」と思いました。素晴らしいと思ったし、いずれ世界に出ていくだろうなと。ただ、自分のやっている音楽と民クルのやってる音楽は本来違う方向のもので、そのことを田中（克海＝民謡クルセイダーズのリーダー）さんは最初からすごく理解して接してくれていました。
中西レモンさんに関しては、前々から「レモンさんが世に出ないのはおかしい」と思っていました。本当にすごい人だし、いくらでも売れてほしいです。
―その後、アラゲホンジの活動を再開するわけですが、バンドを立て直すきっかけがあったのでしょうか。
齋藤：それは明確なきっかけがあったんですよ。2022年9月、（岐阜県の民謡である）郡上節の歌い手として長年活動してきた後藤直弘さんとアラゲホンジのライブを企画してくれた人がいて、そこで久々にバンドとしてライブをやることになったんです。せっかくなので、ブラスセクションを入れた今までと違う編成で、なおかつ自分ががっつり譜面を書いてやってみようと思ったんですね。実際やってみたら楽しすぎて。
バンドがうまくいってない時期、ソロでアルバムを出そうと思ったこともあったんですけど、なかなかうまくいかなかったんですね。でも、数年ぶりにバンドで集まってみたら、まだまだキラキラしたものがあって、少なくとも自分にできる一番強い表現がこれだということがはっきりしたんです。すごくいいライブができたし、あの日の手応えは大きかったですね。
―ブラスセクションを入れたビッグバンド編成をやろうとしたとき、齋藤さんが念頭に置いていたのはどのようなバンドだったのでしょうか。
齋藤：マリア・シュナイダーみたいなことがやりたかったんです。ユニゾンで速いフレーズを演奏するのではなく、シンセのパッド的なフレーズが積み重なっていくようなものをやりたかった。
齋藤：あと、僕が育った湯沢市には湯沢市民管弦楽団っていうアマチュアオーケストラがあって、うちの祖父も父も母も団員なんです。祖父はホルン、父はオーボエ、母はフルートを吹いていました。だから子供のころから家で流れているのは民謡やお囃子ではなくて、クラシック音楽とオーケストラだったんですよ。だからこそ、ここにきてオーケストラのイメージが浮かんできたんでしょうね。考えてみると、マリア・シュナイダーよりもそっちのほうが大きかったかもしれない。
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目指すのは「きりたんぽ鍋のような音楽」
―新作『さよなら花の春』は、齋藤さんがもともと持っていたJ-POP的な感覚が素直に出ていますよね。そこは意識していたのでしょうか。
齋藤：それはもしかするとブラスの影響があるのかもしれないですね。ブラスを3本入れたとき、自分の好きな和声感とかコード感が出せるようになったんですよ。それはいくら鍵盤を足しても得られなかったもので。
―初めてブラスが入ったアラゲホンジのライブを観たとき、齋藤さんの頭の中ではずっとこの音が鳴っていたんだなと思いました。
齋藤：自分でもそういう感覚はありました。これこれ、これがやりたかったんだよ！ っていう。リズムの面も含めて、全部の要素が溶け合う形になったんじゃないかなと思います。
あのね、僕はいつもきりたんぽ鍋のことを考えながら音楽を作ってるんですけど……。
―きりたんぽ鍋？
齋藤：きりたんぽ鍋って最初は具材や調味料の角が残ってるんですけど、最初固かったきりたんぽが少しずつ崩れていくうちに、鶏の脂やネギ、ゴボウの味と一体化していくんですよね。鍋として完全に極まる瞬間が必ずあって、そういう音楽になればいいと思ってるんですよ。一つひとつの味が溶け合っていって、完全に極まった音楽というか。
―なるほど。
齋藤：現在のような音楽を志したのが21歳ぐらいのころだったわけですけど、当時からこの感触だけはあったんです。いつかこんな音楽を作りたいっていう。
―今回の収録曲には、まさにきりたんぽ鍋のように多種多様な味わいが渾然一体となってますよね。たとえば、“まんぷく舞”などには民俗芸能のエッセンスがしっかり注入されています。
齋藤：“まんぷく舞”は歌詞のなかに＜ハァー明け行く空に お送りしよう行疫神＞というフレーズが出てきますけど、行疫神というのは疫病神のことです。コロナが終わったあと、また幸せな世界が戻ってきたらいいなということを歌っているんですよ。
―イントロの笛と太鼓のフレーズはもともと何かの民俗芸能のものなんでしょうか。
齋藤：完全なオリジナルです。このフレーズのまま、頭の中に浮かんできたんですよね。シンセで作ったデモ音源にそれを入れて、笛の（ミカド）香奈子さんと太鼓の（友野）龍士くんに演奏してもらいました。
―“あげあげ音頭”の歌詞やメロディーはモチーフになったものが何かあるんですか？
齋藤：これはね、自分の中から出てはきたんですが、何かに似ています。思いませんでした？
―何でしょう？
齋藤：（奄美の騒ぎ唄である）“六調”です。節回しが少し似てる感じがするんですよ。でも、そのことには後から気づいたんです。
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封印していた「エモさ」を、いい方向に出せるようになってきた
―“恋するタビビト”は以前からあった曲ですが、打ち込みが使われてますよね。イントロの多重録音部分にはBon Iverを連想しました。
齋藤：曲調として何かリファレンスがあったわけではないんですよ。この曲を作っていたころFlying Lotusの『You’re Dead!』（2014年）を聴いていたので、打ち込みのキックとスネアが絡み合う後半の展開は影響を受けてますけど、ただ自分の声を重ねたかったんです。
―他の曲もそうですが、齋藤さんの頭の中にあった音像を形にしたらこうなったわけですね。もちろん、そこにはこれまでに齋藤さんが聴いてきたものが反映されているはずですが、本人すらそれが何かわからない。
齋藤：“恋するタビビト”は特にそういう面が強いかもしれない。悲しいことがあった友人を思って一心不乱に作った曲なので、自分の気持ちが籠りすぎていて、どういうふうに受け止められるか、少し不安もありました。
―結果、アルバムを通して今まで以上に齋藤さんのパーソナルな感覚が強く出ていますよね。齋藤さんがどういう視点を持っていて、どういう人物なのか、その人間性も含めて見える感じがします。齋藤さんの持っているエモさも自然に前に出てますが、今まではエモい部分を隠していたじゃないですか。
齋藤：エモさに関しては明確にセーブしようとしてたし、音楽を作るうえでよくないものだっていう考えがあったんです。「エモさ」ってオシャレではないじゃないですか（笑）。
―確かに。
齋藤：「エモさ」ってちゃんと扱わないといけないもので、変な形でやるとグロテスクになると思うんですよ。そこをどう避けるか、ずっと意識していました。今はちょっと年を取ってきて、いい方向に出せるようになってきたところもあるし。
―エモさという自分の武器もうまく使えるようになってきたと。
齋藤：きりたんぽ鍋って結構エモいじゃないですか（笑）。そういうものになっていたらいいなと思います。
―“オタマ節”では山や空の向こうからやってきて、やがて向こう側へと帰っていく魂のことが歌われています。齋藤さんのなかで命や魂のことがよりはっきりとテーマになってきた感じもします。
齋藤：魂のことは今までも大事なテーマだったし、そういうものをいつも歌いたいと思ってきました。音楽を始めたころ、歌いたいことが特になかったんですよ。でも、ひとつだけあって。それが綺麗事だったんですね。
―綺麗事？
齋藤：そう。自分にとっての理想ということです。「こういう人間でありたい」ということだったり、平等や自由ということを掲げることがとても大事だと思ってきました。実際の世界でそうじゃないとしても、ひとりでも多くの人が建前として掲げることによって、理想の世界に近づくんじゃないかって。
でも、綺麗事を歌うことって大変じゃないですか。理想を掲げるということは自分の中で続けているんですが、理想の世界というものが魂や信仰というテーマに集約されてきたということなんだと思います。
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魂や命をどう歌うか。「曖昧なものや、何かと何かの狭間なもの」の重要性
―これは話したくなければ話さなくてもいいんですが……最初のお子さんが亡くなったことも魂について歌うきっかけになったのでしょうか。
齋藤：いや、大丈夫ですよ。自分の歌っていたことは間違いじゃなかったんだけど、現実は残酷なものであって、本当にきつくて……うまく言えないんだけど。
―命や魂のことを歌う意味がよりはっきりしたのかもしれないですね。
齋藤：それまでは理想の世界を表現したものとして「魂」という言葉を使っていたとしたら、もうちょっと普通の言葉として使うようになったのかもしれない。魂や命って必ずしも特別な言葉じゃないんです。
―そうですよね。
齋藤：前のアルバムに入っていた“はなつ音”という曲は、子供が亡くなった喪失感みたいなものを昇華させるために作ったんです。自分が前に進むための曲というか。でも、今回のアルバムの曲は次の子供が生まれてから書いたものが多いので、魂を歌う意味が少し変わってきてるんです。
―命や魂というのは誰にとっても無関係なテーマではないし、普遍的なテーマでもありますよね。命や魂について歌うアーティストも少なくないし、そうした曲が現代の日本においてリアリティーを持ちつつあると思うんです。
齋藤：それは興味深いですね。
―その背景には、現代社会に対するさまざまな危機感が土台にあると思うんですよ。確かなものが見えにくくなっているからこそ、命や魂のことを考えようとしているのではないかと。
齋藤：危機感というのはひとつキーワードとしてあると思います。誰しもが明日どうなるかわからないわけで。
あと、今は曖昧なものや何かと何かの狭間なものの価値がすごく下がってる気がするんですよね。民謡とか土着的なものとポップミュージックの狭間に自分の心の世界があるんじゃないかということは昔からぼんやり思ってたんですけど、活動していくうちにその思いがどんどん強くなってきて、確信になりつつあるんです。
―「何かと何かの狭間なもの」という意味では、生と死の狭間にも曖昧な領域があって、魂もまさにその領域のものですよね。
齋藤：そうです、まさに。
―黒でも白でもないグレーの領域が大切なんだと思います。
齋藤：世界がどんどんビビッドで極端な方向にいこうとしてますよね。ビビッドなものじゃないと可視化できなくなってる。でも、赤と青の間にすごく豊かな色彩があって、それが見える世界がいいと思うんですよ。
そもそも芸能って太古の時代から天と地を結ぶメディアであったはずなんですよね。だからこそ託宣（※）というものがあるわけで。託宣では歌い手の我が消えて、その人ならざるものの声を出すことによって神様の意思を伝える役割があったんですよね。
※託宣：神仏が人に憑依したり、夢に現れたりしてその意思を告げ知らせること、またはそのお告げ
―今回のアラゲホンジの作品でも、そうした狭間の世界の美しさが描かれていると思うんですよ。命のことや魂のことについて考える機会は誰しもがあると思うし、そういう方に今回のアルバムを聴いてほしいんです。
齋藤：ありがたいですね。誰かにとっての苦しみや困難が癒されたり、許されて祝福されたような気分になってくれたら嬉しいんですよね。たとえば家族にあたってしまったとか、小さなつまずきだったとしても。
小沢昭一先生が「芸能というものは結局は“祝う”と“祓う”ということになるんじゃあないか」と仰っているのですが、その言葉を、いつもお守りのように忘れずにいようと思っているんです。
アラゲホンジ『さよなら花の春』
1.オタマ節
2.まんぷく舞
3.さよなら花の春
4.あげあげ音頭
5.アヤカシと踊るヨ
6.山の上おけさ
7.手と手と手
8.恋するタビビト
9.ハレバレさせて
【CD】
2026年10月28日（水）発売
品番：HYR2001
価格：3,000円（税込）
【LP】
2027年1月20日（水）発売
品番：HYR-1001
価格：4,800円（税込）
レーベル：HOROYOI RECORDS
