【2025年振り返り・演劇編②】餓鬼の断食、いいへんじなど若手に期待。AIと演劇

関西の若手演劇シーンが面白い。餓鬼の断食に注目

ー座談会の前編では、舞台美術やパフォーマンスのお話が出ましたが、ストーリーの面で印象に残っているものはありますか？

山﨑：前編でもちらっと触れましたけど、ロームシアター京都で、「KIPPU」（※）という若手アーティスト向けの創作支援プログラムに採択されていた、餓鬼の断食『DOGHOUSE』がすごく面白かったです。

餓鬼の断食は、ザ・演劇の作品と、実験的な作品の2つの系列があって、僕は『DOGHOUSE』でザ・演劇な餓鬼の断食を初めて観ました。主宰の川村智基さんは大阪芸術大学の学生なんですが、24歳が書いたとは思えないくらい、厚みのある戯曲だったんです。

※若手アーティストの発掘と育成を目的に、ロームシアター京都と京都芸術センターが協働して行う創作支援プログラム。

―どんな内容ですか？

山﨑：限界集落の寺院を舞台に、世代間の対立や倫理観の差、村八分的なものや政治力学も含めた村内の人間関係を描いていました。団体として名前を聞くようになって、少し前から注目はしていたんですけど、それでも期待を大幅に上回る面白さで、「若い劇団だからとどこかで見くびっていたな」と反省させられました。

丘田：今の関西の若手の演劇シーンって面白いですよね。餓鬼の断食もですが、劇団不労社や安住の地、うさぎの喘ギなどの複数の劇団のメンバーや制作者が集まって戯曲集を発行したりしている西陽〈ニシビ〉という運動体もあります。豊岡演劇祭でもトークを聞いたのですが、とても刺激的でした。そういう団体を横断した活発な動きは、東京ではあまりない気がします。

山﨑：最近の関東は、ポップな印象があるんですよね。言い方は難しいんですが、餓鬼の断食とか、同じく関西の劇団不労社のように、どっしりとした戯曲を書く若手は関東にはあまりいないなと思って。

川添：少し時代を遡ると、例えば、京都の演劇に注目が集まった1990年代に、松田正隆と土田英生と鈴江俊郎の3人が『Leaf』という戯曲同人誌をつくっていたんですよ。京都の劇作家の作品を中心に戯曲を掲載し、座談会やインタビューも掲載する冊子ですね。東京に比べて演劇人の人数も少なく、自転車で移動できる距離感で日々接している京都ならではの演劇文化というのもあって、とても魅力的です。

私は長年、演劇誌で地方演劇を取材していたのですが、その時「書く力さえあれば、どの土地からも素晴らしい戯曲が出る可能性がある」と感じていました。地方は、世間からの「どうして演劇なんてやってるの？」の圧が東京の比ではありません。それでも演劇を続けているパワーが魅力的ではないわけがない。なので今お2人が地方の力を感じているというのは素敵なことだなと感じました。

丘田：おっしゃる通りです。私も関西出身なので、今後も帰省のタイミングなどを活かして追っていけたらと思います。ちなみに、餓鬼の断食は、実験的なライン『STUDY | 修飾を歓迎する環境←→拒否する身体』も豊岡でたんですけど、やまけんさんのお話を聞くと、実験的なものとザ・演劇みたいなもの両方観ないといけないですね。似た動きで言うと、今年は劇団スポーツも実験的なシリーズ『NOWHERE』を立ち上げていました。海外戯曲にチャレンジするとともに、1人の登場人物を複数の俳優が演じる形の上演ですごく面白かったです。

山﨑：劇団スポーツ『CONSTELLATIONS』は、実験的な公演であると同時に、俳優主体の企画でもありますよね。先ほど丘田さんが挙げていた宝宝もそうですけど、俳優主体の企画も、ここ数年で一つの取り組みとしてすっかり定着してきた印象があります。きっとこれは、演劇界における労働環境やハラスメントに対する意識の向上の流れとも無関係ではないのではないでしょうか。一人のアーティストとして主体性を持って企画に取り組む俳優が増えていることには頼もしさを感じています。

進化するAI。演劇との関係は？

―丘田さんは、ストーリーが印象的だった作品はありますか？

丘田：東京にこにこちゃん『ドント・ルック・バック・イン・マイボイス』（萩田頌豊与作 / 演出）は現代性を感じた作品として印象に残っています。「MITAKA “Next” Selection」（※）の1つだったんですが、声優さんの一代記のような感じで、長寿アニメの声優が交代することとそれに人が慣れてしまう寂しさを描いた作品でした。このAI全盛期で、人の仕事のおおよそは代替可能などと言われているけれど、では、その人の存在や魂はどうなんだ。そうした、現代への問いかけを感じたりもして。

※三鷹市芸術文化振興財団のメンバーが足を運び見つけた、注目の劇団が選定される。

丘田：最終的には、声優さんが死んでしまっても、声を生成AIで蘇らせることで昔のアニメを再現できる⋯⋯でも「それは違うだろう」という流れで、クライマックスに入っていくんです。コメディだけど、AIに対しての危機感と好奇心をしっかり描いていた作品でした。

山﨑：AIを扱った物語を演劇という形式で描くのはけっこう難しいところがあると思うんです。舞台上に登場させてしまうと、普通の人間とかこれまでのロボットのイメージに収まるものになりがちですし。一方、実験的な作風のアーティストの作品ではAIを創作に直接取り込んだものもちょこちょこ出てきています。（前編で触れた）『秋の隕石』の話に戻るんですが、花形槙『エルゴノミクス胚・プロトセル』は生成AIを使ったパフォーマンスだったんですよ。パフォーマーはVRゴーグルをつけてパフォーマンスするんですけど、そのゴーグルには自分の姿を生成AIが処理した映像が映っていて、例えばパフォーマーの取っている姿勢が椅子の形に近づくと、映像の中のパフォーマーの姿が椅子にメタモルフォーゼするんです。観客からは、パフォーマーの動きと、彼らがゴーグルで見ている映像が一緒に見えるので、微細な動きによって、人間から椅子になったり、椅子から人間に戻ったりする揺らぎが見えるんですよね。

川添：フォースド・エンタテインメント『Signal to Noise』もAIを使った作品でした。俳優自身は発話しなくて、生成AIの音に合わせてリップシンクしていたんです。嘘臭い格好をしていたり、あからさまなヅラを被っていたり（笑）いろんなフェイクが散りばめられている。どうやって本当と嘘を見分けるのかとか、人間とAIの境目はなんだろうとかを考えられたりして、面白かったですね。

川添：歌舞伎で言うと、初音ミクと中村獅童が超歌舞伎『世界花結詞（せかいのはなむすぶことのは）』で共演しているんですが、初音ミクは回を重ねるごとにどんどん人間ぽくなっているんですよ。それを観ていると、AIやロボット的なものに、やはり人間は人間味を探しているんだなということを感じていて。

山﨑：どういうことですか？

川添：技術の向上で、初音ミクの踊りも台詞回しもすごくうまくなっているんです。作り手もそこをどんどん追求していくし、観客もそれを求める。その現象は面白いなと感じますね。

丘田：今思い出したんですが、市原佐都子/Qの『キティ』で使われていた音声は、AIだったんですかね？　あの作品も非常に鮮烈で、観劇後しばらく呆然としたほどでした。

山﨑：AIです。俳優の声を取り入れて、日本語と韓国語と広東語を、それぞれの俳優の声で喋らせています。『キティ』はAIの音声を使っているだけでなく、セリフを寸断して、広東語と韓国語と日本語のミックスみたいな感じで喋らせているんですよね。

山﨑：『キティ』はねこ役の女の子を、日中韓の俳優が場面によって入れ替わって演じることで、資本主義下で性的に消費される女性の身体も表していました。AIを使っているのも、一方では提供した素材が自由に消費されてしまうことへの批判になっていました。