DYGLが6作目で迎えた新局面。「少し笑えるロック」を冷笑でなく、本気でやるワケ

後光が差すギター。ちょっと笑えるけど、演奏は本気

―まず、強烈なインパクトのアートワークについて伺わせてください。1980年代のプログレメタルバンドのジャケみたいで、最初に見たときはかなり衝撃的でした。ド真ん中に後光が差すギターが浮かんでいて……昨今ではほぼ見ないデザインです（笑）。

秋山：ギターロック、バンドロックをやっているという意識は、初期からずっとあったんですけど、さすがにそれをアートワークで大々的に登場させるのは無意識的に避けてきたというか（笑）。ただ今回は、ギターをジャケットに描いたら面白いんじゃないか、という気持ちがありました。

秋山：よく言われている話ですけど、AIの時代になって、どんな音でも身体を介さず作れるようになってきたじゃないですか。でも、ギターっていうのは、ある空間の中で、身体で弾いた音がその場で目の前の人に届く。デジタルのデバイスを通さなくても直接届くということに、すごく安心感があるんですよね。そういうフィジカルなものの象徴としての「ギター」という意味もあります。

―このアートワークはどなたが手掛けているんでしょうか？

秋山：ジャック・イプチンという香港在住の友人のクリエイターに依頼して、色鉛筆で手描きしてもらいました。彼の作風にあわせて、最初はもっとパンクやハードコア寄りの、シャープで強いイメージを考えていたんですけど、あまりにかっこよくなりすぎると、ちょっと笑えなくなる気がして。今回は激しい音楽だけど、ユーモアのある作品にもしたかったんです。

―どこまで本気なのか、あるいは冗談なのか分からない感じがいいですね（笑）。

秋山：ですよね（笑）。

加地：友達に見せたら「めっちゃかっこいいじゃん（笑）」みたいな反応だったよ。

秋山：その「（笑）」も含めて、どこかで本当はこういうものが好きだった、と言ってくれている感じがするよね。

下中：片や僕なんかは、こういうものをずっと本当にかっこいいと思ってきた側の人間だから（笑）。でも、みんなが少し笑うという感覚も分かる。だから、ちょっと笑えるけど、それでも本気でかっこいいと思える、というバランスにしたかったんです。冷笑するんじゃなくて、あくまで演奏するという行為自体は本気。

忘れていたものを取り戻すための「原点回帰」

―その本気の演奏にも驚きました。これまでのDYGLとはまた違う種類のエネルギーがあって、ハードロック的な要素が非常に前面に出ていますよね。どういう経緯で、ここまで思い切った変化が起きたんでしょうか。

秋山：いろんなことが繋がっているんですけど、直近の流れでいうと、前作の5枚目『Who’s in the House?』が大きかったですね。あの作品ではサポートドラマーのスズケン（鈴木健人）にも本格的に制作に入ってもらって、みんなでセッションをしながら曲を作ったんです。そういう作り方をアルバム全体でやったのは初めてでした。

―それまでは、ある程度デモを作ってから構築していく方法だったんでしょうか。

秋山：そうですね。ただ、もっと遡ると、結成したばかりの頃はセッションをやっていたんですよ。結成から1stアルバムまでは5年くらいあって、そのあいだはスタジオに入って、みんなで音を出す時間が長かった。だから、前作から今回にかけてのやり方は、ある種、昔に立ち返ったとも言えるんです。

嘉本：3枚目、4枚目と作って、コロナ禍を経てまたライブをちゃんとやるようになったというのも大きいと思います。演奏すること自体の感覚が、もう一度戻ってきたというか。

―いわゆる「原点回帰」的な感覚？

秋山：3rd、4thを経て、次に何をやるかというときに、「何か忘れていないか」という気持ちがあったんです。もう少し自分たちを解放したいというか。

ちょうどその頃、コロナ禍が落ち着いてきて、久しぶりにロンドンへ遊びに行ったんですね。そこでたまたま来英していたアメリカのバンドThe Gardenのライブを観たんですけど、これが本当に素晴らしくて。演奏がすごく身体的だし、お客さんも含めて会場全体がうごめいているような感じだった。

それを観て、自分が忘れていたものがある、というだけじゃなく、そもそも根本的な部分に気づいていなかったのかもしれないと思ったんです。

―でも、The Gardenの音楽性は、今回のDYGLの新作のようなハードロック的なものとも違いますよね。

秋山：全然違います。でも、あのライブを観たとき、本人たちが意識しているかどうかは別として、欧米のロックバンドの根っこにあるブルース的なものを感じたんです。

もともと、自分は2000年代以降のインディーロックを聴いて育ってきたので、ブルースっぽさが薄いものをかっこいいと感じてきたところがあるんですよね。当時のインディーロックには、そういう成分をなるべく取り除こうとする美意識があったと思うんです。

避けては通らないインディーロックが削ってきたブルースの「臭み」。

―ポストパンク以降のオルタナティブロックの歴史というのは、ある意味で、ブルースロック〜ハードロック的なものの「臭み」からいかに距離を取るかという実践の歴史でもありますよね。

秋山：そうなんです。でも、考えてみれば、2000年以降のバンドだってLed ZeppelinやBlack Sabbathを知らないわけじゃないし、もっと根源的なものとして、消そうと思ってもどうしても残ってしまう部分があったはずなんですよ。一方で、自分たちがスタジオで何気なくセッションすると、けっこうブルージーになったり、ペンタトニックのフレーズが出てきたりする。それを、今までは無意識的に削っていた気がするんですけど、自然に出てくるものなら、むしろそのまま出してもいいんじゃないかと思うようになりました。

下中：昔から、誰かがスリーコードを弾き始めると、みんなでソロを回していくようなセッションは普通にやっていたんですよ。もちろん本格的なブルースミュージシャンから見れば「なんちゃって」ですけど（笑）。

でも、楽器を使って音楽をやっていくと、勝手にそういうものが出てくる。僕自身は、オルタナティブロックのルーツを考えれば、例えばニール・ヤングを避けては通れないと思うし、Black Sabbathも昔から大好きだった。初期のサバスなんて、ヘヴィメタルという言葉が定着する前のハードで重いブルースロックでもあるわけで。

―とはいえ、メンバー全員がそうした音楽を同じように通ってきたわけではないんですよね。

嘉本：僕はハードロックをそこまで通っていないですね。むしろDYGLとしては、意識的に避けていた気がします。今下中が話したみたいに、大学生の頃、セッションをしていると自然にそうなっちゃう瞬間があったんですけど、それをそのままバンドの曲にはしなかった。

加地：僕もどちらかといえば、もっと「漂白された」感じの音楽のほうが好きでしたね。ネオアコもすごく好きだったし。

秋山：加地くんが昔よく話していて覚えているのは、The Beatlesの“While My Guitar Gently Weeps”が好きじゃないという話ね（笑）。

加地：あの曲、ギターソロがちょっとくどく感じるんですよ（笑）。同じ時期のThe Beatlesでも、もっとポップにまとまっている曲は好きなんですけど。

マイナー調の音楽が全部嫌いというわけではないんですが、あまりに真正面から来られると、重たい荷物を背負って坂道をずっと上っているみたいな気分になってしまう。

―もしかすると、その感覚がある人もいるからこそ、今回の作品がハードロックの「形式」に回帰しただけの内容になるのを回避できているのかなと思ったりも。

嘉本：そうかもしれないですね。

「バンド編成で、できるだけ大きなエネルギーを出そうとすると、結果的にあの頃の音楽に近づく」（下中）

―今回の曲は具体的にどうやって作っていったんでしょう。やっぱりギターのリフが先にあるんでしょうか。

下中：曲によるけど、やっぱり一番多いのは、誰かがリフを弾き始めて、そこに全員が乗っかっていく形ですね。しばらく同じテーマを続けていると、また別の誰かが新しいテーマを出して、みんながそっちに移っていく。元のテーマに戻ることもあるし、さらに別のものが生まれることもある。そういう10分くらいのセッションを録って、使えそうな部分を切り出して構成を作り直す。それを秋山が改めて曲にしていく、という流れです。

―完成形を想像してそこから逆算して作っているわけではない。

下中：そう。こういう音楽をクリックにきっちり合わせて、展開も全部整えて、音も完璧に録ってしまうと、あまり面白くないんじゃないかと思っていたんです。1980年代後半以降のメタルも好きで聴いてきたけど、整えすぎてもったいないなと感じることもあった。

Black Sabbathを筆頭に、それ以前の荒っぽいバンドの演奏のほうに惹かれるところがあって。例えば、Witchfinder Generalみたいなバンドを聴くと、こんなにプリミティブでもかっこいいんだ、と思うんですよね。だから、なるべく生っぽさを残したかった。

―たしかに、ある時期のドゥームメタル（※）を思わせる「自由さ」があるように感じます。

※ドゥームメタル：ヘヴィメタルのサブジャンルのひとつで、極端に遅いテンポ、低くチューニングされた重いギターリフ、そして破滅や絶望感を漂わせる暗く陰鬱な空気感が特徴

下中：かといって、あの当時の音楽を綿密に研究して、それを忠実にやろうとしたわけではないんです。バンドという編成の元で、できるだけ大きなエネルギーを出そうとすると、結果的にあの頃の音楽に近づくというか。

―しかし、今でこそ少し復権している感じがしますけど、特に2010年代って、ギターリフという存在がちょっと虐げられがちでしたよね。今回の作品は、それを思いっきり敷き詰めているからなんとも痛快です。

秋山：ギターリフへの風当たりの強さ、分かります（笑）。けど、元をたどると僕らはThe White Stripesなんかを昔から参考にしていたんですよね。Arctic Monkeysもそうですけど、2000年代のインディーロックにだってギターリフはたくさんあった。その一方で、1970年代のロックのあのリフの感じを古いと言って避けていたのは、考えてみると不思議なバイアスがかかっていたんだなと。今回は、その線引きがなくなった感覚がありました。

―1曲目の“Hyperfixation”なんて、冒頭からかなり意表を突かれます。もはやプログレの領域ですよね、これは。

秋山：最初からプログレをやろうと考えていたわけではないんですけどね（笑）。そもそも僕らが10代の頃は、プログレとかプログレメタルって「おじさんが好きな音楽」みたいなイメージもあって、それこそ避けてきた対象だった。だから、当時の自分たちにこのアルバムを聴かせたら、びっくりするでしょうね。

―一方で“All Tomorrows”には、Motörheadに通じるようなパンク的な突進力を感じたり……。

下中：あれも最初からMotörheadを目指したわけじゃなく、セッションでできて、後で聴いたら「これ、Motörheadみたいだね」となったんです。肉体的な快楽を求めて演奏すると、自然にああいう感じになる。

―“De Nada”も、今回の作品の大きなポイントですよね。DYGL以前のバンド名を冠した最初期からの曲が、ついにここにきて収録されたという。

秋山：今回のセッションで出てくるエネルギーと、あの頃の感覚が繋がっていると気づいて、「だったら、あの曲をもう一度やってみよう」という話になって。実はずっと、アレンジがまとまればいつか出したいと思っていた曲なんですよ。でも、何度もやってうまくいかなかったので、もう出せないかもしれないという雰囲気もあった。今回ようやく形になりました。

―“Breathing in Hell”のブギーのビートにも驚きました。グラムロックの、いわば少し猥雑な側面を思い出すというか。

秋山：特に日本のバンドだと、ああいうものを今真正面からやる人はあまりいないかもしれない。

加地：あの曲には、ちょっとTame Impalaの要素も入っている気がするね。

秋山：そうだね。Kasabianみたいなところも少しある。曲の中にいろんな表情があって、それがそのまま残っている。

―こういう複層的な音楽性だと、ギターが3本あることの意味がより鮮烈になってきそうですよね。どうやってプレイの住み分けをしているんでしょう。

秋山：住み分けに関しては長いこと苦労してきましたけど、今はだいぶ整理できてきたと思います。基本的には僕がバッキングにいて、下中がメロディーやリードを弾く。嘉本もリードを弾くことはあるけれど、それに加えてアンビエントな音やノイズみたいな、音響的なアプローチをしてくれる。状況によって、出たり引っ込んだりする感じですね。

下中：一方で、住み分けすぎても良くないと思うから、割とフレキシブルなところも残しつつ……。音が重なりすぎると思ったら、さっきまで弾いていた弦を弾かないようにするとか、ライブのその場で細かく変えることもあります。今でも試行錯誤していますね。

日本やアジアは「つるつる」、アメリカは「ざらざら」？

―録音自体も、かなり生々しいですよね。録り方について教えてください。

秋山：前作と同じように、基本的に全員で同時に演奏しています。アンプはそれぞれ別のブースに置いて、音のかぶりはある程度抑えているんですけど、演奏そのものは一発録りです。クリックも使わない。歌だけは後から録って、必要があれば少しレイヤーを足す、という感じですね。

―レコーディングエンジニアのステファニー・ロザさんの仕事も重要ですね。端的に言って、こういう音楽の魅力をめちゃくちゃ理解している人の音だと思いました。

秋山：ステファニーとは、ロサンゼルスにいた頃からの繋がりなんです。2017〜18年くらいに、僕らがアメリカに何か月か滞在していた時期があって。そのときに遊びに行ったThe Smellというライブハウスで、PAをやっていたんですよ。最初は知識もほとんどなかったらしいんですけど、「やってみなよ」と機会を与えてくれる場所だったらしくて。そこで経験を積んで、さらにレコーディングを勉強するようになった。

―そうなんだ。そういうDIYなライブハウスの現場から始まった人だから、こういう音への理解度が高いのかしら。

秋山：そうなんです。僕らもその成長を見ていて、4枚目の頃にミックスを頼んでみたら、すごく良かった。それで5枚目、今回へと繋がっていったんです。パンクやロックの現場をたくさん知っているので、こちらがやりたい音楽の美学を、説明しすぎなくても分かってくれるというか。

下中：ステファニーは、どこかのフェスでスティーヴ・アルビニに会って、マイクの使い方なんかをいろいろ質問したこともあったらしいんです。ギターアンプに近づけたマイクだけじゃなく、少し離れたところにも立てて部屋の音を録るとか、自分なりに工夫していて、すごく研究熱心なんですよ。

秋山：もちろん日本のエンジニアにも素晴らしい人はたくさんいると思うんですけど、すごくきれいに整える技術と、雑味や生活の匂いがある音をちゃんと録る技術は、少し違う気がするんです。後者の感覚は、実際にああいうライブハウスで演奏を観て、お客さんがどう反応しているかを体験しないと、なかなか分かりづらいのかもしれない。

―録音場所は？

秋山：前作に続いて、ステファニーに日本へ来てもらいました。今回は小岩の広いスタジオで録ったんですが、普通のレコーディングスタジオに比べて、あまりデッドに作り込まれた空間じゃないんです。だからちゃんと部屋の音を鳴らせる。その広さや響きが音に出ている気がします。

―分かります。場所に結びついた音の説得力というのは確実にありますよね。

秋山：僕、街とか環境の違いを、「つるつる」と「ざらざら」の違いで考えることがあるんですよ（笑）。東京やアジアの新しい街には、建物もきれいで、つるつるしている場所が多い。でもアメリカでツアーを回ると、レンガや木の建物だったり、ざらざらした空間が残っていたりして、そこで古いロックやパンクが大きな音で鳴っている。その音が、驚くほど場所に合うんですよね。「だからみんなこの音楽が好きなのか」と思える瞬間があった。だから、今回の小岩のスタジオならしっくり来るんじゃないかという感覚があったんです。海外で演奏してきた経験がなかったら、こういう気づきは得られなかったかもしれません。

ディストピアみたいな未来でも、前へ進むしかない。タイトル曲“All Tomorrows”

―秋山さんのボーカルにも、これまで以上の力の入りようを感じました。以前にもまして身体全体を使っていて、“Breathing in Hell”のように、曲によってはロバート・プラントとか初期のハードロックのシンガーを連想する瞬間さえある。かなり歌い方が変わった印象です。

秋山：インディーロックっぽい歌い方だと、曲のエネルギーに合わないところがあったんです。Dry Cleaningみたいな、もっと喋るようなポストパンク的な歌い方も試したんですけど、それだと少し弱く感じて。でもひたすら思い切り歌うだけでも、暑苦しくなってしまう。いろいろやって、結局真正面から歌うしかないんだと思いました。録音もかなり大変で、喉の負荷的に1日1曲くらいのペースでしたね。ツアーで歌い続けられるのかちょっと不安ですけど（笑）。

―タイトル曲の“All Tomorrows”のボーカルにも、すごくドライブ感を感じます。歌詞の内容と相まって、未来に向かって突き進むということが、ある種の信念として聴こえてきます。この曲のタイトルをアルバム名に据えているのも、何か決意のようなものを感じます。

秋山：あのタイトルは、ただ前向きな感覚だけというわけじゃなくて、未来がポジティブなのかネガティブなのか分からない、そういう感覚も含まれているんです。曲自体に、何かが向こうから迫ってくるような感じがあって。自分が未来に向かって進んでいるとも言えるし、未来のほうがこちらに向かってきているとも言える。砂漠をひたすら走る『マッドマックス 怒りのデス・ロード』（2015年）みたいなイメージもありましたね。たとえディストピアみたいな未来だとしても、時間は戻せないし、僕らは前へ進むしかない。でも、その前進していくエネルギー自体はポジティブに捉えられるんじゃないかと思ったんです。

―かつての1960年代末から70年代初頭のロックが持っていたような、カウンターカルチャー的な力をもう一度信じてみよう、というような気持ちも感じました。例えば“Sussed Out”などに顕著だと思うんですが、今の社会の現実に対峙しようとする意志が以前よりも前に出ている気がして。

秋山：どうだろう……当時と2026年とでは、音楽が社会に対して持つ意味は当然違いますよね。昔は音楽が時代を画するメディアとして持っていた力が圧倒的だったし、誰かが言ったことが世の中に大きな影響を与えることもあった。

今は娯楽も情報も細分化されていて、そういう大きな機能を持つことはなかなか成り立ちづらい。けれど、それでも音楽が存在するおかげで今日もこうして対話の機会が生まれているわけだし、ライブにお客さんが来てくれる。その力を、僕はずっと感じ続けているんです。

―なるほど。じゃあ、ことさらあの時代のロックが持っていた対抗性みたいなものを歌詞として具体的に表現しようとしたわけじゃない、と？

秋山：そうですね。でも音楽を作って、言葉を乗せていく中で、自分が普段考えていることが自然に入ってくるのも当然だと思うから。これが今の自分たちのムードなんだと思います。

社会にはいろんな人がいて、一つの言い方で全員に何かが伝わるわけではない。すごくストレートな表現でなければ伝わらない人もいるし、もっと違う形のほうが届く人もいる。だから、自分たちなりの真っ直ぐなやり方で受け取ってもらえるものが作れればいいと思っています。

―今となっては、こういう質問がメディアで出ることは稀だと思うので、あえて訊いてみたいんですが、そもそもみなさんにとって「ロック」とはどんな存在ですか？

秋山：うーん、なんだろう……ロックという表現の中で、いつでも新しい何かが生まれてきてほしいという思いはありますね。僕がロックを好きなのは、新しい曲が生まれ続けているところでもあるんです。もちろん、一方で過去の音楽を受け継いでいくことの素晴らしさはある。

下中：そうだね。そもそも、何かを真似しようとしたって、同じものには絶対ならないじゃないですか。例えばサバスをやろうとしても、僕らがやったら別のものになる。その、真似できないところから結果的に新しいオリジナリティーが生まれてくる。だから過去の音楽をやることと、新しいものを作ることは、別に矛盾しないと思うんです。

―過去のロックの遺産を、自分たちの身体を通して未来へ投げ入れていくような感覚？

秋山：そうですね。自分たちのルーツも大事にしたいし、まだ聴いたことのないものにも向かっていきたい。今回だって、この先何が待っているか分からない状態で作ったアルバムだから。振り返ることはありますけど、それは次に何をするかを考えるためでもある。