デビュー以来、欧米やアジア等、世界を股にかけて旺盛な活動を繰り広げてきたインディーロックバンドDYGL。オルタナロックやパンク、ガレージなどを基調にしながらも、インディーシーンの先端とも共鳴する入念な作品を積み重ねてきた彼らだが、このところ「ロックバンド」という形態が持つ根源的なパワーへと今一度立ち戻ったかのように、激しく、荒々しく、パッションに溢れた演奏を聴かせている。
パンク〜ポストパンク的な衝動に貫かれた2025年の前作『Who’s in the House?』から1年余りで届けられた新アルバム『All Tomorrows』は、そんな彼らの新局面を、よりラジカルな形で推し進めた、まさかのハードロック〜ブルースロック〜プログレ志向の強い一作となっている。この、予想だにしていなかった驚くべき変化の背景にあるものとは、一体何なのか。秋山信樹、下中洋介、加地洋太朗、嘉本康平の四人に話を訊いた。
INDEX
後光が差すギター。ちょっと笑えるけど、演奏は本気
―まず、強烈なインパクトのアートワークについて伺わせてください。1980年代のプログレメタルバンドのジャケみたいで、最初に見たときはかなり衝撃的でした。ド真ん中に後光が差すギターが浮かんでいて……昨今ではほぼ見ないデザインです（笑）。
秋山：ギターロック、バンドロックをやっているという意識は、初期からずっとあったんですけど、さすがにそれをアートワークで大々的に登場させるのは無意識的に避けてきたというか（笑）。ただ今回は、ギターをジャケットに描いたら面白いんじゃないか、という気持ちがありました。
秋山：よく言われている話ですけど、AIの時代になって、どんな音でも身体を介さず作れるようになってきたじゃないですか。でも、ギターっていうのは、ある空間の中で、身体で弾いた音がその場で目の前の人に届く。デジタルのデバイスを通さなくても直接届くということに、すごく安心感があるんですよね。そういうフィジカルなものの象徴としての「ギター」という意味もあります。
―このアートワークはどなたが手掛けているんでしょうか？
秋山：ジャック・イプチンという香港在住の友人のクリエイターに依頼して、色鉛筆で手描きしてもらいました。彼の作風にあわせて、最初はもっとパンクやハードコア寄りの、シャープで強いイメージを考えていたんですけど、あまりにかっこよくなりすぎると、ちょっと笑えなくなる気がして。今回は激しい音楽だけど、ユーモアのある作品にもしたかったんです。
―どこまで本気なのか、あるいは冗談なのか分からない感じがいいですね（笑）。
秋山：ですよね（笑）。
加地：友達に見せたら「めっちゃかっこいいじゃん（笑）」みたいな反応だったよ。
秋山：その「（笑）」も含めて、どこかで本当はこういうものが好きだった、と言ってくれている感じがするよね。
下中：片や僕なんかは、こういうものをずっと本当にかっこいいと思ってきた側の人間だから（笑）。でも、みんなが少し笑うという感覚も分かる。だから、ちょっと笑えるけど、それでも本気でかっこいいと思える、というバランスにしたかったんです。冷笑するんじゃなくて、あくまで演奏するという行為自体は本気。
DYGL（デイグロー）
2012年、大学のサークルで結成された4人組ロックバンド。メンバーは秋山信樹（Vo / Gt）、下中洋介（Gt）、加地洋太朗（Ba）、嘉本康平（Gt）。2017年、The Strokesのアルバート・ハモンド・ジュニアをプロデュースに迎えた1stアルバム『Say Goodbye to Memory Den』を発表。以降、中国やオーストラリア、ヨーロッパなど海外でも公演を重ねる。2025年に5thアルバム『Who’s in the House?』、2026年10月14日に6thアルバム『All Tomorrows』をリリース。同年10月から、ソウルを含む12都市13公演の『All Tomorrows TOUR 2026』を開催している。
INDEX
忘れていたものを取り戻すための「原点回帰」
―その本気の演奏にも驚きました。これまでのDYGLとはまた違う種類のエネルギーがあって、ハードロック的な要素が非常に前面に出ていますよね。どういう経緯で、ここまで思い切った変化が起きたんでしょうか。
秋山：いろんなことが繋がっているんですけど、直近の流れでいうと、前作の5枚目『Who’s in the House?』が大きかったですね。あの作品ではサポートドラマーのスズケン（鈴木健人）にも本格的に制作に入ってもらって、みんなでセッションをしながら曲を作ったんです。そういう作り方をアルバム全体でやったのは初めてでした。
―それまでは、ある程度デモを作ってから構築していく方法だったんでしょうか。
秋山：そうですね。ただ、もっと遡ると、結成したばかりの頃はセッションをやっていたんですよ。結成から1stアルバムまでは5年くらいあって、そのあいだはスタジオに入って、みんなで音を出す時間が長かった。だから、前作から今回にかけてのやり方は、ある種、昔に立ち返ったとも言えるんです。
嘉本：3枚目、4枚目と作って、コロナ禍を経てまたライブをちゃんとやるようになったというのも大きいと思います。演奏すること自体の感覚が、もう一度戻ってきたというか。
―いわゆる「原点回帰」的な感覚？
秋山：3rd、4thを経て、次に何をやるかというときに、「何か忘れていないか」という気持ちがあったんです。もう少し自分たちを解放したいというか。
ちょうどその頃、コロナ禍が落ち着いてきて、久しぶりにロンドンへ遊びに行ったんですね。そこでたまたま来英していたアメリカのバンドThe Gardenのライブを観たんですけど、これが本当に素晴らしくて。演奏がすごく身体的だし、お客さんも含めて会場全体がうごめいているような感じだった。
それを観て、自分が忘れていたものがある、というだけじゃなく、そもそも根本的な部分に気づいていなかったのかもしれないと思ったんです。
―でも、The Gardenの音楽性は、今回のDYGLの新作のようなハードロック的なものとも違いますよね。
秋山：全然違います。でも、あのライブを観たとき、本人たちが意識しているかどうかは別として、欧米のロックバンドの根っこにあるブルース的なものを感じたんです。
もともと、自分は2000年代以降のインディーロックを聴いて育ってきたので、ブルースっぽさが薄いものをかっこいいと感じてきたところがあるんですよね。当時のインディーロックには、そういう成分をなるべく取り除こうとする美意識があったと思うんです。
INDEX
避けては通らないインディーロックが削ってきたブルースの「臭み」。
―ポストパンク以降のオルタナティブロックの歴史というのは、ある意味で、ブルースロック〜ハードロック的なものの「臭み」からいかに距離を取るかという実践の歴史でもありますよね。
秋山：そうなんです。でも、考えてみれば、2000年以降のバンドだってLed ZeppelinやBlack Sabbathを知らないわけじゃないし、もっと根源的なものとして、消そうと思ってもどうしても残ってしまう部分があったはずなんですよ。一方で、自分たちがスタジオで何気なくセッションすると、けっこうブルージーになったり、ペンタトニックのフレーズが出てきたりする。それを、今までは無意識的に削っていた気がするんですけど、自然に出てくるものなら、むしろそのまま出してもいいんじゃないかと思うようになりました。
下中：昔から、誰かがスリーコードを弾き始めると、みんなでソロを回していくようなセッションは普通にやっていたんですよ。もちろん本格的なブルースミュージシャンから見れば「なんちゃって」ですけど（笑）。
でも、楽器を使って音楽をやっていくと、勝手にそういうものが出てくる。僕自身は、オルタナティブロックのルーツを考えれば、例えばニール・ヤングを避けては通れないと思うし、Black Sabbathも昔から大好きだった。初期のサバスなんて、ヘヴィメタルという言葉が定着する前のハードで重いブルースロックでもあるわけで。
―とはいえ、メンバー全員がそうした音楽を同じように通ってきたわけではないんですよね。
嘉本：僕はハードロックをそこまで通っていないですね。むしろDYGLとしては、意識的に避けていた気がします。今下中が話したみたいに、大学生の頃、セッションをしていると自然にそうなっちゃう瞬間があったんですけど、それをそのままバンドの曲にはしなかった。
加地：僕もどちらかといえば、もっと「漂白された」感じの音楽のほうが好きでしたね。ネオアコもすごく好きだったし。
秋山：加地くんが昔よく話していて覚えているのは、The Beatlesの“While My Guitar Gently Weeps”が好きじゃないという話ね（笑）。
加地：あの曲、ギターソロがちょっとくどく感じるんですよ（笑）。同じ時期のThe Beatlesでも、もっとポップにまとまっている曲は好きなんですけど。
マイナー調の音楽が全部嫌いというわけではないんですが、あまりに真正面から来られると、重たい荷物を背負って坂道をずっと上っているみたいな気分になってしまう。
―もしかすると、その感覚がある人もいるからこそ、今回の作品がハードロックの「形式」に回帰しただけの内容になるのを回避できているのかなと思ったりも。
嘉本：そうかもしれないですね。
