江﨑文武が語る、ピアノとの多種多様な関わり方。「上手く弾くことが全てじゃない」

WONKの「これまでの要素が全部混ざった」アルバム

―2024年11月にリリースされたWONKのニューアルバム『Shades of』には、「東京起点のビートミュージック・クロニクル（年代記）」というキャッチコピーが付けられていました。江﨑さんは、本作でどのような表現を目指しましたか？

江﨑：実はこのキャッチコピー、アルバムのための楽曲が全て揃ったあと、スタッフを含めた打ち合わせの中で生まれたものなんです。つまり、最初からこのテーマを掲げて制作していたわけではなくて。ただ、完成したものを改めて聴いてみると、この10年間で本当に僕らはさまざまな音楽を作ってきたのだなと感じました。バンドによっては、「これが自分たちのスタイルだ」と決めて、一貫してその路線を貫くこともあると思うんです。でも僕らは常にその時々で、「面白い」と思ったものを貪欲に吸収してきました。

─2020年にリリースされた4thアルバム『EYES』は、情報社会における多様な価値観をSF的なストーリーで描く壮大なコンセプトアルバムで、続く2022年の『artless』は、ありのままの心の機微や日常の景色を切り取るような作品でした。それを経て今作は、どんな作品になりましたか？

江﨑：「これまでの要素が全部混ざった」という印象です。『EYES』のようにデジタルな要素の良さも実感しているし、『artless』のようなアナログな表現の良さも分かってきた。どちらかを選ぶのではなく、それらを惜しみなく並列に配置したのが今作の特徴なのかなと。

─しかも今作は、江﨑さんのピアノがいつも以上に重要な役割を占めていると感じました。

江﨑：僕自身は、特にそうしようと思っていたわけではないんですけどね。ただ、リーダーでドラムの荒田（洸）からは、「こういう曲があるんだけど、俺はドラム叩かないから」とか言われたりして。彼はすごく優しいリーダーだから、僕がソロで模索していた音楽性を尊重し、取り入れようとしてくれたのかもしれないですね。実際、ピアノを中心に組み立てていくような曲が、特に前半には多かったと思います。

ピアノの「いい音」に向き合うようになった

─以前インタビューで、「（ファーストアルバムである）『Sphere』を作った頃は『どのマイクで録ろうか』みたいなことは全然考えられなかったけど、みんなといろいろ作り続けてきたおかげでできることが広がって、鍵盤楽器のいろんな色を引き出せるようになった実感もすごくあります」とおっしゃっていました（※）。今回、自分の出したい音をより解像度高く具現化できた手応えはありましたか？

※WONKインタビュー｜久保田利伸ら多彩なアーティストと描いた「Shades of」

江﨑：確実にありますね。WONKを結成したばかりの頃は、まだピアノの音色について深く考えたことがなかったんです。ジャズピアニストとして、そこにあるピアノを弾くのが当たり前の環境だったので、「自分の音を作り込む」みたいな意識はなかった。でもレコーディングの経験を重ねていくうち、「こういう楽器を弾きたい」「こういう音を作りたい」というイメージがどんどん明確になってきて。

『Shade of』は、曲によってアップライト、グランドピアノ、打ち込みなどを使い分け、音作りの意図を整理しながら取り組みました。ずっとお世話になっているSTUDIO Dedeのピアノも、自分仕様にフェルトを張り替えてもらったりして（笑）。以前は「調律さえちゃんとしていればいい」と思って弾いていましたが、細かいノイズなどのテクスチャーが「いい音」に繋がる場合があると気づいたんですよね。ピアノという楽器にどう向き合うか、そこに対する意識は、以前とはまったく違うと思います。

─ピアノの音色や演奏以外の音響的な部分は、今日のヤマハミュージックメンバーズプラス会員向け動画の撮影でも名前が挙がっていたニルス・フラームやオーラヴル・アルナルズの影響はありますか？

江﨑：彼らは演奏家であり作曲家でもありますが、単に弾くだけでなく、録音芸術として、音の響きまで作り込む姿勢に感銘を受けています。そういえば、先日出演した『THE PIANO ERA 2024』の主催の方は「毎回、変わり者のピアニストばかり集めている」と言っていて。そこに出演したアーティストも、ほぼ全員がプレイヤーでありサウンドデザイナーでもあったんです。中には、ヨーロッパから金属製のプレートマイクを持ち込み、調律の段階でピアノ内部に仕込んで録る試みをしている人もいました。

日本のコンサートホールは、決まった調律師がピアノを最高の状態に整えることに重きを置いているので、音響的なアプローチがしにくいのが現状です。ピアノは「美しく正しく弾くもの」という固定観念がまだまだ根強いですが、僕はもっと自由な発想が広がれば、表現の可能性もさらに開かれていくんじゃないかと思っているんです。

─そういう音色やサウンドプロダクションの部分に意識的になったのは、ソロ活動の影響が大きかったですか？

江﨑：いや、むしろバンドやこれまで客演として関わってきたJ-POPのアーティストたちの影響が大きいですね。彼らに触発され、ピアノの音色について深く考えるようになった結果、「ソロでやってみたい」と思うようになった、という流れでした。なので、もし自分だけで活動していたら、今でも単に鍵盤と向き合うだけのプレイヤーだったかもしれない。

それぞれが持ち寄った感動体験をもとに作品を作る

─WONKには、エンジニアリングのスキルを持つベースの井上（幹）さんがいるのも大きいですよね。

江﨑：それはものすごく強みだと思っています。井上はゲームの世界でも活躍しているので、例えばサラウンド音響に対する知識もある。それを元にしたサウンドプロダクションの発想をしてくれるんですけど、それって普通のバンドではなかなか出来ないことだと思うんです。実際、今作はドルビーアトモスで仕上げるという目標もありました。彼の存在は、今後さらに重要になっていくと感じていますね。

─先日のWONKのツアーに伺いましたが、東京公演はセンターステージという特殊な演出を凝らしていました。まさにサラウンドで聴くような感覚だったのでは？

江﨑：まさに。最近はずっとライブが楽しいんですけど、今回のセンターステージは特に新鮮でした。立つ場所が変わるだけで、こんなに感覚が変わることを改めて感じましたし、それが演奏にもかなり影響するなと思いましたね。

─それは、例えばどんな影響でしょうか。

江﨑：普通のステージだと「自分たちが観られている」という意識が強くなるけど、囲まれていると、むしろ観客と一緒に音楽を作っているような感覚になる。ボクシングや相撲も観客に囲まれながら試合をしていますが、あの感じに近かったのかもしれない。全方向から熱量が伝わってくるのがすごくよかった。

─みんなで円陣を組むよう向き合って演奏したのも、演奏に影響はあったのでは？

江﨑：ボーカルの長塚（健斗）がこっちを向いているのは確かに新鮮でしたね（笑）。彼は楽器を演奏する人ではないので、これまでバンド演奏の中で主導権を握る場面ってあまりなかったんです。でも今回は全員が内向きに立つステージになったことで、長塚が途中でビートボックス的な要素を取り入れつつアンサンブルを牽引していくパートを作ったんです。それによって、多分彼自身も「音楽をリードする楽しさ」みたいなものを感じたと思うし、僕らも長塚に引っ張られている感覚があって、それがすごく心地よかった。結果的にバンド全体としてもすごく良い方向に作用したと思っています。

─江﨑さんと荒田さんのソロバトルも圧巻でした。

江﨑：ありがとうございます（笑）。なんか、ジャズ研時代を思い出しましたね。決められていたはずのことを全部ぶっ壊していく、みたいな。そういうことをやる楽しさを、ここ数年ちょっと忘れていた気がしていて。

それを思い出すきっかけになったのが、去年の秋に長塚の地元・あきる野でライブをやった時でした。久しぶりに全員が生楽器で演奏して、「セットリストとか決めなくてもよくない？」みたいな空気になったんですよ（笑）。弾き始めたものをそのまま歌えばいいし、演奏に委ねればいい。実際はセットリストを決めて臨みましたが、演奏しながらめちゃくちゃに崩してみたり、それでもみんながちゃんとついてきて、次の曲につながっていったり。即興的なコールアンドレスポンスも楽しかったし、あの時に取り戻した感覚が、今のツアーにも生きている気がしますね。

─ツアーを終えた後、WONKのあり方や方向性について、今の段階でどのように感じていますか？

江﨑：正直なところ、何にも見えてないですね（笑）。今回のアルバムで、これまでやってきたことを全部投入しきった感覚があるんです。だから、このままアウトプットを続けても、たぶん似たようなものができてしまう。今は、いったんインプットの時間を取るべきタイミングなのかなと。

江﨑：WONKは、そういう時間を大切にしてきたバンドでもあります。ファーストアルバムを2016年に出すまでの3年間も、ほとんど何もリリースせずに、ひたすら制作したり、みんなでご飯を食べに行ったり、一緒にライブを観に行ったりしていました。そういう時間を経て、それぞれが持ち寄った感動体験をもとに作品を作る。僕たちにとって、それが一番自然なやり方だなと思っています。

「カチッとした枠の中に収まっていない音楽」に惹かれた

─さて、今回公開されたヤマハミュージックメンバーズプラス会員向け動画では、江﨑さんの幼少期のピアノとの出会いや、演奏を始めたきっかけについて伺いました。発表会でブルースを弾いていたというお話にはとても驚きましたし、それが後にビル・エヴァンスを好きになっていくきっかけになったのかなとも思ったのですが、濁った音や、クラシックとは違う響きに惹かれていったのはなぜだと思いますか？

江﨑：うーん、なぜだったのかは正直よくわからないんですけど、バッハやモーツァルト、ベートーヴェンといった、しっかりとした仕組みの上に成り立っている音楽が、どうも生まれつき苦手だったんですよね。カチッとした構造のものが、あまりしっくりこなかったというか。もちろん、モーツァルトにはそうじゃない部分もありますけど、ベートーヴェンやバッハの音楽って、すごく美しい構造を持っているじゃないですか。そういうものと向き合うのが、どうも好きになれなかったんです。

もしかすると当時のピアノの先生も、その苦手意識を感じ取っていたのかもしれません。ブルースだけじゃなく、“Brazil”というラテンの曲も弾かせてもらったりしていました。でもそのときは、それがブルースなのかラテン音楽なのかなんて、まったく意識していなかったですね。いずれにしても、「カチッとした枠の中に収まっていない音楽」に、自然と惹かれたんだと思います。

─でも、その先生はすごいですね。そこで強制しないっていうか。

江﨑：そうなんですよ。しかも、僕は土曜日のレッスンのトップバッターだったので、その先生が「ちょっと早くおいで」と言ってレッスン時間を30分増やしてくれたんです。その30分はラテンやブルースなど好きな曲を弾かせてもらえた。その代わり、残りの通常レッスン時間はカリキュラムに沿った基礎をちゃんとやるという。本当に自由に音楽を楽しめる環境だったんですよね。

ただ、その先生のレッスンは引っ越しで終わってしまって。次にバトンを渡されたのは、めちゃくちゃ厳しい先生でした（笑）。「あなた、小学校3年生になるまで何をやってたの？」って言われ、しこたま基礎を叩き込まれましたね。

─あははは。

江﨑：基礎技術を習得するタイミングは、いずれ必ず訪れるものだけど、自分の場合、それが最初じゃなくてよかったなと思っています。最初に自由に音楽と向き合えたからこそ、ずっと続けられたのかなと。小さい頃から、両親が家で常に音楽をかけていたし、積極的にコンサートにも連れて行ってくれましたし、家の雰囲気もすごく良かった。とは言いつつも、やはり練習はかなり辛かったですけどね（笑）。もし中学生になるタイミングでジャズと出会っていなかったら、もうピアノを続けていなかったかもしれないです。

でも、今思えば、楽譜は基礎なので、書けるようになっていてよかったなとも思います。結局、どっちも必要だったんだなって。楽しくやるモチベーションはもちろん大事だけど、誰かと共同作業をするなら、やっぱり言葉が通じないとダメじゃないですか。自分のアイデアを伝える手段として、楽譜を書くことも一つの共通言語なんですよね。

ピアノは「上手に弾くことがすべてじゃない」

─練習が嫌で辞めてしまう人ってものすごく多いと思うんですが、続けてこられた秘訣というと、やっぱり「楽しい」という経験をどれだけ積めるかということになってくるんでしょうか。

江﨑：そうですね。ただ、「上手に弾くことがすべてじゃない」という考え方も大事だと思います。音楽の仕事って、演奏だけではなく、音を録る仕事もあれば、バランスを整える仕事、最終的に仕上げる仕事、編曲や作曲もある。そう考えると、指が速く動かなくても「どっちのピアノの音がいい音か」は判断できるとか、「自分なりに好きな音を持っている」ということが、仕事につながる場合もあるんですよ。

─確かに。

江﨑：音楽教室に通っていると、どうしても目の前の課題をこなすことに精一杯になりがちですけど、もっと広い視点で見れば、努力したことがその場ですぐに報われなくても、別の形で花開くこともある。そう考えると、「ただ楽しく続けている」こと自体に、大きな価値があると思うんですよね。

僕の場合、家庭環境に加えて友達の存在も大きかったと思います。個人レッスンはあまり好きじゃなかったけど、同世代の友達と会えるグループレッスンはいつも楽しみでした。みんなでアンサンブルするのがすごく楽しくて、そこでは「音楽ってこんなに面白いんだ」と素直に思えたんです。楽器と一対一で向き合うことだけが音楽のすべてじゃない。そこに気づけると、もっと楽しく続けられるんじゃないかなという気がしますね。

─ピアノに関わる方法って、いろいろありますよね。その中で、自分に合うものがどこかに必ずあるはずだから、「スケールの練習が嫌だからピアノをやめる」というのは、ちょっともったいないなと思うんです。

江﨑：練習が嫌だと言っている人に「ちゃんと練習しなさい」って怒っても、逆効果になったり、そうやって言われることで、音楽そのものが嫌いになってしまうこともある。ピアノの演奏自体にはそこまで興味がなくても、木材の質感に魅力を感じるかもしれないし、調律の仕組みに興味を持つことだってある。ピアノって、単なる楽器ではなく、いろんな可能性を秘めているものなんです。

江﨑：だから、「なんで自分はピアノに向き合おうと思ったんだろう？」という最初のきっかけを大事にして、それを突き詰めていくのが一番いいんじゃないかと。「レッスンが嫌だった」「先生が怖かった」という理由でピアノから離れてしまう人が、少しでも減るといいなと思います。

─ちなみに江﨑さん、今すごく興味を持っていることってありますか？

江﨑：今はもう、ひたすら映画音楽と向き合うモードになっています。家で観る映像作品の数もすごく増えましたし、観るときの視点も変わりました。これまで20年間、バンドの世界だけでなく、さまざまな形で音楽に関わってきましたが、ここからは、自分がすべての制作の責任を負った状態で、映画音楽に本気で向き合っていこうと考えています。完全にそういうフェーズですね。